The Blinding Light
Exposition du 16 juin au 18 septembre 2022

El artista marroquí mounir fatmi exhibe en la sede de Casa Árabe en Madrid este proyecto artístico consistente en fotomontajes inspirados en una escena milagrosa pintada por Fra Angelico en 1440. La muestra forma parte de PhotoEspaña 2022.

La luz cegadora (The Blinding Light) es un proyecto artístico y expositivo formado por obras del artista mounir fatmi (Tánger, 1970), cuyas diversas piezas se inspiraron en una escena milagrosa pintada por Fra Angelico: el Retablo de San Marcos (1440). Éste muestra en su predela los milagros realizados por dos santos, Cosme y Damián. Patronos de los cirujanos y farmacéuticos, estos hermanos gemelos supuestamente nacieron en Siria y se convirtieron al cristianismo en su juventud.

El milagro escogido por mounir fatmi es La curación del Diácono Justiniano. En esta escena, los hermanos árabes realizan el milagro de la curación del diácono injertándole la pierna de un hombre etíope fallecido recientemente. Esta escena evoca la mezcla de un cuerpo blanco con un miembro negro, pero también de los vivos con los muertos, cuestionando así́ las nociones de raza, hibridación e identidad.

Para acercarse a la representación de este suceso, mounir fatmi ha realizado a lo largo de su carrera una serie de fotomontajes (la primera de ellas se remonta a 2013) con varias imágenes que muestran un quirófano -con su equipamiento tecnológico y sus medidas de higiene- que se superpone a esta escena milagrosa. Así, el personal médico se sitúa junto a los dos santos formando un mismo grupo de trabajo. De esta manera, los fantasmas y las personas vivas están presentes en otra forma de realidad, una temporalidad fantasiosa tan milagrosa como la escena bíblica.

Además de una oportuna reflexión en torno a la idea de hibridación, esta exposición nos lleva a la asociación entre el Renacimiento y la hipermodernidad. Esta elipsis temporal que superpone diferentes tiempos y espacios, acerca la tecnología y los anestésicos a un mundo que solía ser gobernado por milagros divinos. Los personajes en la pintura se convierten así en fantasmas. Tal discrepancia obliga al espectador a ir y venir mentalmente entre las dos épocas. Así, la superposición temporal da lugar a la idea de que un milagro religioso es factible en la actualidad. mounir fatmi intenta aquí combinar de una manera inesperada esferas de creencias que a menudo se ven como antagónicas. Por un lado, la ciencia, el orden, la razón y la concreción; por el otro, la religión, y el universo de la fe, lo milagroso y lo sagrado.

Tangier, something is possible
Exposition du 18 mai au 18 septembre 2022

Une ville, deux photographes

La photographie fait escale à Tanger avec une exposition au Musée la Kasbah des cultures
méditerranéennes, dès le 18 mai 2022.
Intitulée « TANGIER, SOMETHING IS POSSIBLE », l’exposition réunit deux photographes ; Mounir Fatmi et Guillaume de Sardes, qui restituent à travers leurs images l’atmosphère si particulière et saisissante de la ville du détroit qui fut, par le passé, le pied-à-terre de nombreux intellectuels.
Nourrie d’un poème de l’écrivain américain Paul Bowles (icône de la beat generation qu’il a
rencontré à Tanger dans les années 90), la série « Presque rien » de Mounir Fatmi résume, en deux mots et plusieurs tirages, l’idée que s’en fait l’artiste. Le photographe a d’ailleurs longtemps erré dans cette ville qu’il connaît si bien pour y capturer des instants fugitifs, riches en détails où les corps se fondent dans le décor : Tanger, sa fougue et sa douceur, restent les pièces maîtresses de ses photos.
L’écrivain-photographe Guillaume de Sardes met lui ses pas dans ceux du poète et romancier Jean Genet à travers une série de photographies intitulée « Se remémorer Tanger ». Les vingt-et-un tirages annotés cette série sont une errance entre le passé et le présent, la réalité et la fiction, la quête de soi et la quête de l’autre, la photographie et la littérature.
Mounir Fatmi et Guillaume de Sardes livrent une exposition chorale où les regards se croisent pour offrir au public un voyage à travers 48 images où la temporalité est confuse mais où les souvenirs restent intacts. L’approche est sensible et nostalgique, pour tenter de resituer, au plus près, l’ambiance d’un Tanger en perpétuelle mutation et à la croisée de deux continents.

Yesterday Was a Terrible Day
Exposition du 29 avril au 16 juillet 2022
Commissariat : Madeleine Filippi

Et si hier définissait demain ?
Yesterday Was a Terrible Day est la première monographie consacrée à la pratique vidéo de l’artiste Mounir Fatmi.
À travers le prisme de l’exil, cette exposition propose de découvrir ou redécouvrir la démarche de l’artiste tout en faisant écho à l’histoire de la Corse. Chaque vidéo présentée apparait comme des bribes de souvenirs. Des souvenirs de quoi ? de qui ? De cet instant où tout bascule ; lorsque l’on est déraciné ; lorsque l’on porte le poids de cette terrible étiquette d’être l’Autre : l’exilé ; lorsque « hier » prend un gout amer.
D’œuvre en œuvre, on découvre un récit d’exilé, de Mohammed V, aux jeunes issus de
l’immigration dans les banlieues du monde occidental, en passant par Mehdi Ben Barka et Salman Rushdie alias Joseph Anton. Les œuvres se font écho comme autant de traces mnésiques surgissant à la surface de la mémoire. La figure de l’exilé, qui prolifère dans de nombreuses pratiques actuelles, et souvent de manière archétypale, par la présence d’objets emblématiques tels que : la couverture de survie, les chaussures, les valises, les embarcations etc., apparaît de cette sorte dans le travail vidéo de Mounir Fatmi mais de manière plus subtile. Il ne convoque pas uniquement le discours politique sur le sujet mais une réflexion symbolique sur la psyché de l’exilé.
L’exposition Yesterday Was a Terrible Day révèle alors comment le concept d’exil convoque la mémoire et l’enjeu de cette dernière dans la mise en place d’un processus de résilience nécessaire. Pensée comme un poème à l’exil, dans lequel l’artiste évoque le cheminement vers la conscience de l’exilé, l’exposition invite le spectateur à une déambulation dans l’expérience d’individuation jungienne, qui place l’exil non plus comme une condition, mais une étape vers demain.

Marat assassiné
Exposition du 28 avril au 28 août 2022
Commissariat : Pierre-Yves Desaive

Les Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique possèdent depuis 1893 le chef-d’œuvre de Jacques Louis David « Marat assassiné » (1793). Afin de témoigner de la position centrale qu’occupe cette toile dans l’avènement de l’art moderne, nous proposons une exposition dédiée à cette pièce maîtresse de nos collections. Pour la première fois, les Musées royaux offrent une approche sans précédent de l’œuvre de David en combinant à la fois les regards historiques et contemporains, mais également une démarche scientifique par la présentation au public des résultats d’une campagne de recherche qui a mobilisé des examens de laboratoire.

L’exposition est ainsi structurée en trois volets qui permettent au public d’appréhender l’œuvre de David de façon inédite. Le premier volet, scientifique, présente au public les résultats de l’étude matérielle et technique intitulée « Face to Face » et conduite sur le « Marat Assassiné », qui ont révélé pour la première fois, notamment, le dessin sous-jacent du chef d’œuvre.  Ces recherches, menées par le Centre européen d’Archéométrie de l’Université de Liège, sont basées sur l’utilisation de techniques d’imageries scientifiques et d’analyses physico-chimiques non-invasives réalisées in situ.

Dans un second volet, historique quant à lui, seront présentées les répliques d’atelier conservées à Reims, Dijon et Versailles, ainsi qu’une oeuvre issue d'une collection privée (Paris). Ce volet sera complété, dans une troisième approche, par les interprétations contemporaines d’artistes comme Picasso, Ai Weiwei, Gavin Turk, Jean-Luc Moerman, Jan Van Imschoot ou encore une œuvre de Rachel Labastie qui pose quant à elle un regard féminin déplaçant l’attention de Marat vers Charlotte Corday, protagoniste absente de la représentation de David.  

FEMMES GUERRIERES /// FEMMES EN COMBAT
05.03.2022 – 07.05.2022

Le point de départ de cette exposition est le petit dictionnaire des femmes guerrières qui démarre de la sorte : « il fut, dans tous les temps et dans toutes les nations, des femmes remarquables par leur courage et leur détermination dans des circonstances exceptionnelles et mouvementées, notamment dans les guerres. depuis la plus haute antiquité, les contemporains de telles héroïnes ont été interloqués par la relation de hauts faits qu’ils n’auraient pu auparavant attribuer qu’à des hommes particulièrement virils. de là, sans doute, cette suspicion latente qui rôde autour des grandes guerrières qui ont marqué leur siècle de leurs exploits : s’agissait-il vraiment de femmes ou n’étaient-elles pas de ces êtres bizarres, mi-hommes, mi-femmes, que l’on traite pudiquement de viragos ? Et pourquoi, si ce n’est pour ne pas encourir l’opprobre, prenaient-elles soin généralement de s’habiller en hommes ? ». De cette définition deux Isabelle s’entretiennent. l’une, Isabelle Lévenez est artiste plasticienne et une véritable guerrière sur bien des fronts. l’autre, isabelle de Maison rouge est historienne de l’art et défend depuis longtemps la cause des femmes dans le milieu de l’art contemporain. Toutes deux choisissent les artistes qui participent à cette aventure et l’histoire démarre. 

Le propos de l’exposition par le biais d’artistes femmes exclusivement, vise à rappeler qu’il n’a pas toujours suffi aux femmes artistes de se définir comme artistes pour être reconnues comme telles et si malgré une meilleure visibilité de leurs œuvres, la présence des femmes dans ce milieu de l’art contemporain reste confidentielle malgré de très importantes avancées dans ce domaine. 

Cette exposition rend perceptible l’engagement de certaines artistes dans des causes qui ne recoupent pas nécessairement leurs intérêts ou exclusivement leurs préoccupations de genre. des « indociles » qui prennent une part active à l’action sociale et politique, dans un espace public qui leur a été pendant des siècles, dans une large mesure, hostile, voire interdit. Comme s’il était impensable, aujourd’hui encore, d’envisager leur participation autrement que comme l’usurpation de prérogatives masculines par la mise en concurrence des attributs de la virilité. la combattante, en définitive, serait-elle condamnée à rester un fantasme masculin ? « la première fois qu’on défend sa cause par les armes, on vit la lutte si complètement qu’on n’est plus soi-même qu’un projectile » disait Louise Michel et cette phrase résume bien l’attitude de ces femmes et artistes plasticiennes se comportant en guerrières. 

Isabelle de Maison Rouge, (sur une proposition d’Isabelle Lévénez)

avec Corine borgnet, Céline Cléron, Romina de Novellis, Esther Ferrer, Rachel Labastie, Léa le Bricomte, Isabelle Lévénez, Milena Massardier, Myriam Méchita, Orlan, Nazanin Pouyandeh, Aïda Patricia Schweitzer, Maryline Terrier, Sarah Trouche, Brigitte Zieger

LES GRANDS ENSEMBLES
05.02.2022 – 08.04.2022

Pensée comme un laboratoire de réflexion sur les liens qui unissent la création et l’architecture hard french, l’exposition réunit une vingtaine d’artistes qui font dialoguer bâtiments, habitants et créations.

Les enjeux de l’habitat collectif et solidaire sont à chaque époque revisités. Les villes s’y adaptent, composent ou recomposent leur paysage en fonction de son évolution. Questions florissantes des politiques publiques contemporaines qui viennent à l’envi défrayer la chronique, ces surfaces s’élaborent et se vivent différemment selon les âges. Sans cesse réinterprétées, elles donnent à voir des espaces fertiles d’échanges et d’argumentaires.

De nombreux artistes se sont intéressés à l’univers visuel des grands ensembles et de l’habitat social. Ce projet se propose d’en écrire partiellement l’histoire. Cette exposition collective s’adapte au territoire de Vélizy-Villacoublay et à ses particularités. Ce projet fédérateur s’articule autour d’œuvres récentes, de pièces historiques, d’archives et de commandes spécifiquement réalisées pour l’occasion et réunit un pôle de résidence de création, une exposition, un ouvrage et un symposium.

avec Nathanaël Abeille, Fabienne Albin, Yves Bélorgey, Mohamed Bourouissa, Le Corbusier, Stefan Eichhorn, Anne-Valérie Gasc, gethan&myles, Dan Graham, Samia Henni, Ibai Hernandorena, Thomas Hirschhorn, Pierre Huyghe, Valérie Jouve, Bertrand Lamarche, Martha Rosler, Hervé Rousseau, SAEIO, Laure Tixier, les étudiants du Master Étrange Étrangers de l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Versailles, les Archives des Ateliers de la Cité de Marseille, les Archives APDV de Paris, le Fonds Cardot et Joly, Superflex, les Archives If You Lived Here - New York, le Fonds municipal des Archives de Vélizy-Villacoublay...

Remedies
Exposition du 15 octobre 2021 au 3 février 2022

Manipulant les effets de paradoxes et jouant sur l’ambiguïté des formes, la sculptrice contemporaine Rachel Labastie pose un regard critique sur les modes d’aliénation physique et mentale produits par une société toujours plus encline à contrôler nos corps et nos esprits. La matière, chargée de mémoires personnelles et collectives, occupe une place centrale dans son travail, et participe à la sensualité de son œuvre.

Son art s’exprime dans une grande diversité de matériaux (marbre, bois noble, caisses de transport, osier, terre, argile, porcelaine et grès), et son travail de création est performatif : elle travaille la matière « au corps », en alliant force et détermination au savoir-faire et à une infinie méticulosité.  

Rachel Labastie présente cet automne un corpus, tantôt inédit, tantôt rétrospectif, d’une trentaine d’œuvres emblématiques de son travail. Son œuvre entière est dualité et nous fait voir au-delà de l’apparence des choses ; concept qu’elle approfondira dans la réalisation d’une pièce créée « en résidence » au sein des Musées royaux, en dialogue avec un tableau de la collection permanente. L’œuvre est imaginée comme le « hors-champ » de « La mort de Marat », Jacques-Louis David (1793) et sera dévoilée à l’ouverture de l’exposition.  

Par des cheminement bien différents, les œuvres de Rachel Labastie entrent en dialogue avec celles d'Aimé Mpane : ces deux artistes, une femme et un homme, interrogent chacun les symptômes développés au sein de nos sociétés. Très concrètement, et au-delà de la démarche artistique, ils créent un véritable espace de conscience et questionnent les remèdes possibles, autour de l’œil central du Patio, articulé sur deux étages du Musée.

Les Eloignées
Exposition du 3 octobre 2021 au 27 février 2022

Rachel Labastie travaille une argile crue qui ne sèche pas, la porcelaine, le marbre, la terre cuite, pour donner forme à des projets où la notion de « corps social » est souvent explorée, confrontée à celle de « trajectoire individuelle ».

À l’Abbaye de Maubuisson, ancienne abbaye cistercienne du XIIIe siècle devenue centre d’art contemporain, l’artiste a choisi d’évoquer les conditions de vie de deux communautés de femmes exclues de la société́ au XIXe siècle. Les « reléguées de Guyane », des femmes condamnées pour petite délinquance et envoyées en Guyane, alors colonie française, pour s’unir à des forçats. À leur arrivée en Guyane, les reléguées sont ainsi confiées aux sœurs de l’abbaye de Saint Joseph de Cluny. Surveillantes et surveillées partageaient de mêmes conditions d’éloignement et d’internement. Île, prison, abri, l’abbaye devient dans le projet artistique de Rachel Labastie un lieu ambivalent où se met en scène un ensemble de récits évoquant l’exil forcé, le voyage de femmes tragiquement dévoyées, la transformation des corps, entre résistance et sacrifice.

A l’abbaye, des mains unies en un geste de prière figées dans la paraffine et l’argile s’exposent, une longue entrave en porcelaine serpente au sol, une grande proue de bateau de forme féminine en bois sculpté et en porcelaine se dresse, un grand retable dont la surface modelée en argile représente un calice s’ouvre et des portraits de femmes réalisés pareils à des camées en porcelaine ponctuent l’exposition Les Éloignées.

Denses ou fragiles, précieux ou crus, les matériaux choisis par Rachel Labastie traduisent par l’usage qu’elle en fait l’ambivalence de sujets complexes, ils évoquent de manière sensible la tension des corps exploités, leur vulnérabilité, mais aussi leur dignité inaliénable. Par un patient travail qui a conjugué enquêtes de terrain, recherches historiques et iconographiques sur plusieurs années, Rachel Labastie tire de la nuit ces femmes oubliées.

ATERRIR, La terre au centre
Exposition du 2 octobre 2021 au 30 janvier 2022
Vernissage le 2 octobre 2021

Commissaire : Julie Sicault Maillé

Baptiste Brévart et Guillaume Ettlinger, Etienne de France, Anthony Duchêne, Camille Goujon, Le Nouveau Ministère de l'Agriculture (Suzanne Husky et Stéphanie Sagot), Koichi Kurita, Rachel Labastie, Etienne Martin et Sébastien Marot, Cynthia Montier, Laure Tixier, Anaïs Tondeur et Germain Meulemans

Le renouveau actuel d'une plus grande attention portée à la terre est palpable. Autour de nous, fleurissent des initiatives visant à remettre la terre au cœur de nos préoccupations. Cette terre qui nous porte, nous prenons enfin conscience qu'il faut en prendre soin. Les artistes réuni·e·s dans Aterrir constatent, évoquent, esquissent, mettent en œuvre et déploient le propos de cette attention portée à la terre et à sa culture.

Et quel meilleur lieu que la Ferme du Buisson, ancienne ferme briarde et fleuron de l'innovation agricole du temps de la famille Menier, les célèbres chocolatiers, pour questionner notre rapport contemporain à la terre et sa culture en vue de nous nourrir. Agriculture traditionnelle et agriculture urbaine se côtoient sur nos territoires, leurs échelles sont différentes, leurs objets et objectifs également, mais chacun n'a-t-il pas à apprendre de l'autre ?

Car aujourd'hui, de nouveaux enjeux émergent, outre celui de produire une alimentation durable : le souhait de se réapproprier l'espace urbain en créant du lien social, une envie de retrouver des liens simples entre les humains, de se raccorder aux cycles de la nature et de se nourrir de produits qui réveillent nos papilles ; reconnecter le citadin et tout un chacun à la terre, à la nature et à son assiette.

Convivialité et lien social, mise en place de communautés en vue d'apporter du soin à la terre, notre bien commun, et de porter du soin à soi-même et aux autres.

LAURE TIXIER
Floraisons associées aux espaces engendrés
18.09.2021 – 06.11.2021

commissaire : Alexandra Servel

Artiste chercheuse, Laure Tixier sonde, avec une apparente légèreté, les interstices de l’histoire et la mémoire des lieux. L’architecture, l’urbanisme, l’habitat et l’organisation sociale qu’ils contiennent constituent souvent le point de départ d’un travail plastique nourri tout autant de littérature, d’histoire de l’art, de culture populaire que des utopies liées au développement des communautés humaines.

L’artiste a notamment fait de l’univers carcéral l’un de ses sujets de prédilection. L’inventaire de plans de prisons, d’origines et d’époques diverses, ou encore ses récentes recherches axées sur l’émergence des colonies pénitentiaires pour mineurs donnent corps à des récits fragmentés, oubliés de l’histoire et à celles et ceux qui les ont traversés. Sous couvert de la fable, elle nous suggère alors de possibles échappatoires.

Amenée à investir l’ensemble des espaces du centre d’art, Laure Tixier réunira pour son exposition à La Graineterie plusieurs corpus d’oeuvres qui chacun à leur manière mettent en jeu des espaces de résistance, des contre-récits de la modernité mais aussi ce qui fait communauté.

Télécharger l’invitation ici

Musée d’Art et d’Histoire Genève
POUR LA GALERIE. Mode et portrait

17 septembre 2021 - 14 novembre 2021
Vernissage le 16 septembre 2021

Longtemps réservé à l’élite, aujourd’hui à portée de téléphone mobile, le portrait est le lieu de la projection et de la fabrication de l’image de soi par excellence. Le vêtement, des somptueux drapés des portraits d’apparat à la variété du vestiaire contemporain, en constitue un élément clé : il est un moyen de distinction, entre conformisme et quête d’originalité. Et au-delà de tout ce qui caractérise une époque, les codes traversent les modes comme autant de signes d’un statut affirmé ou rêvé. 

En confrontant les peintures et les objets du MAH à la collection d’histoire de la mode de la Fondation Alexandre Vassiliev, du XVe siècle à la période contemporaine, cette exposition invite à s’élancer dans un tourbillon de matières et de couleurs, un grand défilé déployé dans les salles palatines du musée transformées en galerie des miroirs. Instruments de pouvoir, de séduction ou d’évasion, vêtements et portraits nous entraînent dans une foire aux vanités où trouve à s’exprimer, de manière éblouissante ou dérisoire, toute la gamme des aspirations et des émotions humaines.

Armory Show, NY
Cristin Tierney Gallery, booth #F11
09.09.2021 – 21.09.2022

Janet Biggs’s video and photography will be shown in a solo booth presented by Cristin Tierney Gallery. Biggs’ work is featured as part of the Armory's Focus section, curated by CAM St. Louis Chief Curator Wassan Al-Khudhairi, which investigates the artist’s role in shaping the future and imagining realities beyond our current condition.

Réinjecter plus d'Eros dans le sublime, c'est le programme que Salo envisage dans la maison du cochon nomade, Les Salaisons. Les œuvres sont multiples, autant que l'érotisme peut l'être. Là où une cuisse dénudée émoustille le regard, d'autre regard se glisse un peu plus haut, d'autre encore un peu plus bas. 133 artistes, parmi lesquels Céline Cadaureille. Vernissage le mercredi 21 juillet, sur invitation.

Pour l’exposition « Troubles Topiques », Tristan Trémeau, critique d’art, professeur à l’Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles et curateur, propose une exploration sensible et fantasmatique de zones sensorielles et mentales troubles liées à la matérialité plastique et organique des œuvres, ainsi qu’à l’ambiguité symbolique et allégorique des formes, signes, opérations, situations et sensations que les dix artistes invité.e.s mettent en jeu dans leurs pratiques et leurs représentations.

The exhibition "A/Essenze. Opere scelte dalla Collezione Cattelani", curated by Fulvio Chimento in collaboration with Tiberio Cattelani and Carlotta Minarelli, invites visitors to admire landmark works from the Cattelani Collection, which includes works by artists "who have left an indelible mark on the contemporary art scene". David Casini is one of the invited artists

OSTRALE Biennale
13. International Exhibition of Contemporary Arts in Dresden, Germany

At the gate of a new, post-pandemic era, exhausted but hopeful, curious and ready for a change, the OSTRALE in 2021 explores the ways we coexist with our fellow humans, animals and our complex environment. With, among more than 140 artists from 34 countries, Evá Magyarósi and her video Lena, which is in the MONA's collection.

BATTLE est une « exposition performée » de Violaine Lochu, conçue pour dialoguer avec l’œuvre La Guerre et La Paix de Pablo Picasso. Comme son titre l’indique, elle porte sur la notion de combat : bataille dirigée contre soi ou contre l’autre, conflit vécu dans sa chair, dans son espace social ou symbolique. Elle se compose d’une vidéo d’une performance réalisée in situ et dont les paroles ont été collectées à Vallauris par Violaine Lochu, durant l’hiver 2021, auprès d’adultes et d’enfants ayant confié leur imaginaire et leur expérience du combat, d’une installation d’objets et d’une pièce sonore.

Hybride 4 : "ouvrir"
exposition du 26 juin au 29 août 2021

Lens à l’été 2021. Le Louvre Lens, bien sûr. Mais aussi la Biennale « Hybride », créée et organisée par le SMAC, qui pour la première fois se tient à Lens, accueillie dans l’ancienne banque de France, avec Paul Ardenne comme commissaire comme pour les précédentes. Quarante trois artistes invités, dont Guillaume de Sardes, mounir fatmi, Aurélie Gravas, Ali Kazma, Rachel Labastie, Evá Magyarósi, Julien Serve, Frank Smith et Mimiko Türkkan.

Pièces d’été à Malbuisson
avec Abdul Rahman Katanani et Robert Montgomery, entre autres.
exposition du 12 juin au 19 septembre 2021

Pièces d’été est une exposition d’art contemporain en plein air dans le paysage de Malbuisson (Doubs, France) qui propose des œuvres « in-situ » accessibles en toute liberté. Un rendez-vous tous les 4 ans où des artistes contemporains de référence sont invités à présenter une création. Les œuvres sont réparties le long d’un parcours pédestre de cinq kilomètres qui évolue entre le village, la forêt et les bords du lac Saint-Point.

Pour la troisième édition, l’exposition aura lieu du 12 juin au 19 septembre 2021 : cent jours et une vingtaine d’artisteschoisis par un jury de sélection Franco-suisse, composé de professionnels et représentants des services culturels institutionnels.

PRECAUTION – TEDBIR
03.06.2021 – 20.02.2022

The exhibition titled "Precaution" features 13 works by 11 artists from the Arter Collection, including Ali Kazma's latest video Noah's Ark. Curated by Emre Baykal, the exhibition explores the preparation and negotiation processes the audience rarely witnesses; the power dynamics shaped by cultural, ideological, hierarchical, and economic contexts; as well as the weaknesses, sensitivities, fragilities particular to the field of art.

From May 8th till Oct 24th, Triennial Bruges brings contemporary art and architecture to Bruges. For its third edition, named TraumA, Triennial Bruges dives into the ‘uncanny’ history and reality. This edition explores the thin line between dream and trauma, between paradise and hell. Among participating artists: Joanna Malinowska and C.T. Jasper explore the idea of collective consciousness with the installation Who's Afraid of Natasha?