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2019 est en marche ! WALKING !

janvier 3, 2019

Marcher : une attitude, une position, un message et une valeur – une definition de Herman Bashiron Mendolicchio, éditeur de interArtive, coéditeur avec Yannis Ziogas et Stella Sylaiou, du projet special walking Art / walking aesthetics.

Nous sommes alors allés marcher à Perama, ancien bidon-ville où j’ai vécu dans les années 1960, désormais banlieue d’Athènes, Christos Panagos et moi. Marcher et nous souvenir. Perama est mon passé lointain, mon présent et mon futur proche ; les souvenirs de Christos Panagos, eux, sont liés, entre autres, au groupe de musique LowBap Active Member et à son ami Kostas Makrinos. La mémoire du corps est activée par la marche : venez avec nous, à Perama… 2019, année de la marche, année grecque, année du cochon de terre, des énergies joyeuses, let’s go walking! And here we are, in the creative and mindful space between one step and another » : SHARING PERAMA, WALKING MEMORY. Merci Christos.


SHARING PERAMA is an ongoing project in Greece that aims to convey art to the people of Perama, in the public space, with the background consideration that if the arts’ goals and potential are not to change the world, art does have the potential to open and change our gaze, to modulate our feelings about the world and render it more viable for all of us. The artist we have chosen to concretize this project is the Scottish, London-based post-situationist visual poet Robert Montgomery, who proposes light poems in the public space, throughout Perama and more.

Perama is a former slum in the outskirts of Athens, settled around the development of the shipyards between World War 1 and World War 2. Perama was an extremely poor neighborhood until the 90’s when more sustainable construction started, but was hit again by the economical crisis of the turn of the Century, with major subsequent unemployment and social problems. In order to implement the light sculptures by Robert Montgomery in Perama, we follow multiple approaches, among which “walking Perama”. Both authors of this paper have specific, strong memories about Perama, which are inherent to the process of SHARING PERAMA. Polla lived in Perama in 1966-1967, before and during the coup by the Colonel Junta on April 21st, 1967. Panagos has been working in Perama along with the movement of the musical activist group “Active Member” around the turn of 2010’s.

In this paper, we consider how “walking Perama” may deepen our understanding of the space and conceptualize the reception of Robert Montgomery’s art in Perama. Walking for hours and days through the city, evoking memories that are essentially bodily, recalling memories meant to serve as a basis to construct a future becomes a live experiment that enhances our ability to transmit and share images, sounds, perceptions, feelings, and ideas.

SHARING PERAMA

This project is in memory of the early years of the construction of Perama, in the sixties, when Polla spent a winter in the growing “favela” – indeed it was a slum at that time – and in tribute of Georgios Dimitriadis, a Greek orthodox father who took care of Perama’s inhabitants, in particular of the poorest of them, and of the children for whom he had created a shelter where they were served meals, care and love. Georgios Dimitriadis was a humanist of the everyday life, a man with a social vision for both present and future, never tired to give, to help, to find solutions, to distribute hope. Polla was seventeen years old at that time, spending a year in Greece with her family, in a journey organized by her father, who was a convinced philhellene. She studied Greek History, Greek as a language, helped in the shelter, discovered the shipyards. It was a most serene wintertime, but the following spring was obscured by the coup of the Colonel’s military Junta, on April 21st, 1967. Georgios Dimitriadis was immediately imprisoned and the perception Polla had of Perama deeply changed, as did the Greek reality. Fifty years later, Polla comes back to the slum of her teenage, that in the meantime has become a city. Together with image-maker Christos Panagos, Polla goes “Walking Perama”, so as to root the current assay and the whole SHARING PERAMA project in their shared walking experience.

Perama circa 1960’s. Post card

Mental Memory and Body Memory

Memory, a crucial aspect of our lives, is generally viewed as a mental phenomenon, a faculty of the mind whose function is to record, conserve and recall information, essential for learning and for civilizations to evolve. But memories also reside in the body. This is particularly the case for memories of spaces. Furthermore, sensorial memories such as olfactory or taste memories are probably the strongest of all.

Greek writer Tilemachos Doufexis-Antonopoulos defines memory as a pending action: “Memory (…) dives into the unconscious and recovers what is repressed; what is hidden; what was defeated and had to sink into oblivion, … revealing something unknown yet familiar… the demand for some future, for a geometry of the intangible.” Doufexis-Antonopoulos further states that “The method and object of art is the pending process of a not-yet-finished-world, a not-yet-finished-form, the memory of the experience of the future, memory as a pending action.” Walking is also a processing experiment of a not-yet-finished-world, in a not-yet-finished-form, the memory of an experience of the future, memory as a pending action, as a possible “walk-through”.

The city of Perama is constructed in a very particular way, between mountain and sea, with no throughway. Once you enter the city, coming from Athens, Piraeus, Drapetsona, Keratsini, you have to take the same road to go back out of the city. There is no “emergency exit” – except the sea. The memories one holds from that space are thus very contained. Polla has memories of the streets of Perama in her feet, the dirt roads, the clay sidewalks, the bumps, the sand; Panagos has memories in his ears, from studio recordings to open-air concerts; both remember the smells of Perama, flowers in the spring, seawater in the wind from the shore, mixed with the industrial smells.


Panoramic view of part of the city of Perama and of the “Free Zone”, 2018 © Christos Panagos

Walking through Perama also allowed the authors to find back the childcare shelter that was built in the first half of the 20th Century on what has become since Elefterias street. The shelter has become a Kindergarten and is still active today.

Walking as an experiment

According to Walter Benjamin, the experience and the ability to transmit it are linked; by “walking Perama” we experiment the city and become able to share it. We share micro-experiments that pave the way to new perceptions. Polla is walking, recalling memories from her feet and body; Panagos is making images. The fact that we share our respective micro-experiments of walking by walking side by side makes them more “sharable” with others. As stated by Jacques Rancière, quoted by Thierry Davila in Marcher, créer…, “The real needs to be fictionalized to be thought”. By “walking Perama”, we create a new reality, we rethink the psycho-geography of the space, its stories and history. Along with Clare Qualmann and walkwalkwalk, we live “…walking as a freedom, as a subversive practice, as a visual art practice, and as a performance … a practice that begins with a re-examination of the places that you think are familiar – a kind of anti-derive, research method for developing text, installation, film, audio and performance works.”

The walls have been canvases in the streets of the cities forever, canvases of the immense open-air museums that the “polis”, whether mega- or micro-, offer to their people. The memory of walls is a very specific one, one that many artists have used, cultivating the appearance-disappearance-reappearance flux that city walls constantly offer to our gaze. With his texts and installations, Robert Montgomery will invade the walls of Perama.


© Robert Montgomery, 2017, mockup for SHARING PERAMA – a memory of the future to come

As part of our walking experiment, we also entered for the first time spaces we never were before, as the so-called Free Zone, generating new memories and new images that defy time. It was like entering through a hidden portal for traveling to the past: here the tools, the cranes, the ships, all are from the 60’s and even the workers look from another time. We live a very strange feeling of time, of the past but a past that pretends to be in the present. We wonder how the workers knew, the workers of today, to repair these boats of the past. May be as we have “walking memories” – they have “sailing memories”.

New, old, ancient… those become blurred notions that we have to reinvent. We feel like walking in a “collage”: according to Turkish artist Nilbar Güreş, “We are Walking Collages“. 

We are walking in time.


Perama, inside a shipyard, 2018. © Christos Panagos

Walking in time with utopia as companion

As Davila states in Take the time, “The time passed walking, the duration of displacement, is the very medium, the very material of the action of the pedestrian, the ferment of the plasticity of his movement.” The time is what the walker works with.

The time for walkers in Perama seems elongated in a similar way as the city itself. The time here has also one way out only: the way back to the past. Shipyards are relics of the past; the “Terma” (literally, the end of the road), although still active, the ships, the industries, the churches, the shacks all look like relics of the past. And whenever one tries to film something in the present, in Perama, the resulting film will always refer to the past. We travel to the past when we are in Perama – a past that, unlike in other places in Greece, does not particularly refer to the glory of Ancient Greece, even if the hills still tell about the battle of Salamis, the shadow of Xerxes’ throne and the victory of the outnumbered Greeks. A victory gained, in those remote times, thanks to the narrowness of the natural harbor of Salamis, which was as narrow as the city of Perama still is today.Perama is showing its short term past rather as decay than as glory: here life plays in decay. At the end of the road, a small, dirty beach faces the military boats resting on the other side; elderly people and children bath here despite the prohibition to do so and walk on the algae-covered pebbles together with their dogs. The evidence of the decay that occurred in Perama over time, despite the new constructions, makes us strongly aware of the decay of our future. We are walking from past to future with utopia as the only way for survival. Concrete utopia may well emerge from Montgomery’s works, creating new perceptions and virtual spaces for artists to gather and create, as did, once upon a time, Active Member, when the sound of music and its rhythm took over Perama. Concrete utopia however also emerges from today’s political dreams and creations such as the newly created open-air theatre above Terma or the renewed open-air cinema near the entrance of Perama.


Perama, 2018. © Christos Panagos


Perama, open-air Mikis Theodorakis Theater, 2018, © Barbara Polla

Walking like dreaming

Walking and dreaming are very similar activities, although this does not seem so at first sight.

We walked through Perama. We did not stroll. A one-way street, even with meanderings, does not incite to stroll – rather, it encourages a rhythmical walk. Walking is dancing. We walked – we danced – at the rate of dreams: before we were able to capture what we saw as a complete picture, as an overview of the surroundings, it was gone, and the images had turned back into the unfathomable folds of our memories. In dreams as in city walking, only few details remain, very sharp though. Indeed, the attention to and the persistence of details is a characteristic of dreams widely used by Freud in his theories of dream interpretation. Walking art is an art of the detail.

Furthermore, walking and dreaming induce physiological variations in the body’s tone and rhythm, both physical and mental. It is well known that rocking – whether in the arms of an adult when we are babies, or by our journeys in trains or cars as adults – induce cerebral slow waves, and that these slow waves are sleep-inducers. Walking to a given, constant rhythm may be compared to a “self-rocking motion” – and although it obviously does not induce sleep it certainly favors daydreaming and promotes inspiration. The extreme of that inspirational daydreaming may well be sleepwalking. Panagos (who was a sleep-walker as a child) conceives his scenarios walking: “scripts come to my mind, they come out of nowhere…”. That “nowhere” hidden somewhere in the folds of our brain.


Perama, detail of a street. 2018. © Christos Panagos

Another strong link between walking and dreaming is the constant impression of strangeness. Images of dreams are recomposed from millions of images stored somewhere in our memories. “Walking Perama” – as would also be the case for walking through any unknown city, or city not walked for a prolonged time – leads to the recollection and re-composition of a mixture of images, old and new, that generate a similar feeling of strangeness as dreams may generate. Everything looks different. Walks, as dreams, create unseen worlds. That square was more crowded once upon a time, that dog skinnier, those stones not as sharp, that dust less volatile.


Perama, door open to light . 2018. ©Nicolas Etchenagucia

We were also walked as a bigger group through Perama by the theater-director Dimitris Bambilis. Bambilis, originally from Nikea, has a deep long-lasting knowledge of Perama; he participated in many walks (some thousand kilometers through Athens in the last ten years) and invented the concept of “pedifestation”. He has his groups walk as small columns, and in silence. After an hour silent walking in a group, with a group, the return to sharing experiences by voice sounds like an awakening from another world.

Sharing walking

Walking together creates bonds beyond reality and induces sharing of fantasy-inducing slow waves across brain borders. Walking is a drift. The authors of this assay shared a drift into their different, though convergent memories about a specific place and generated new ones: memories of a possible future. A drift into interstices that are usually unseen and unheard when you cross a place by car, public transportation or even bikes. A drift in a world of utopia, where trees grow on the hills of Perama, the seawater is crystal-clear, the kids of Perama are playing with golden sand on the beach and invent submarine science, Robert Montgomery’s pieces floodlit Perama’s tongue on land and foreign language poetry becomes the shared memory of beauty. Through walking together, looking, hearing, smelling, dreaming, these utopias became part of the authors’ shared experience of Perama’s space, a shared experience that may serve as basis for future realization: a cinematographic-like experience that could soon evolve into a film about Perama, possibly entitled “στον κήπο του παραδείσου”.

To know more, click here


Walking is not a new practice, but the act of walking is reclaiming a different and more balanced ecosystem. The choice to develop walking art practices is first and foremost an attitude, a stance, a message and a value. What would be nowadays the messages and values of a walking practice? Where does the walking practice stand in the relentless evolution of technology and mobility? How can contemporary art contribute to a re-discovery of walking practices with new strategies, visions and methods?

Message from the editors

The papers and projects presented in this issue are exploring various approaches to walking. Walking has gained a contemporary importance as a medium that incorporates the body, the landscape and a number of disciplines related to them. Walking either as a medium or a form of artistic praxis is an approach that will keep developing, assimilating and expressing a broad spectrum of the human experience.

Pour accéder à l’ensemble des communications, c’est ici.

2018. ©Nicolas Etchenagucia

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SILENT PEACE

janvier 1, 2019

© Pavlos Nikolakopoulos

Analix Forever Moving Art has moved. We are now 10 rue du Gothard, 1225 in Chêne-Bourg, Geneva, in Switzerland and in the world. To find us : barbara.s.polla(@)gmail.com. For a few months the gallery and the artist residency will share the same space, Atelier AMI, until the new gallery space opens, amid ongoing works. Opening hours ? Days and nights, weeks and week-ends, indoors and outdoors. Just ask.

The first exhibition is entitled after the master piece by Pavlos Nikolakopoulos, SILENT PEACE, a musical, violent, magical sculpture. An iconic work, and an iconic title. SILENT PEACE also features a new version of DEBUT, the last exhibition in the former space, as well as photographs by mounir fatmi and Guillaume de Sardes, the mace by Groupe Mandar that we can’t do without and paintings by AMI referring to Greece. Indeed, for Epiphany, we will all meet in Pavlos Nikolakopoulos studio in Athens, for a LOGOS NIGHT. More to come on that, and about our project in Greece, SHARING PERAMA.

Best wishes for 2019 to each of you. Be it Epiphany every night !

 

VIDEO FOREVER 38 « CE MONDE QUE NOUS N’AVONS PAS ENCORE PERDU »

décembre 17, 2018

MARDI 18 DÉCEMBRE À 19H

*VIDEO FOREVER 38
« CE MONDE QUE NOUS N’AVONS PAS ENCORE PERDU »
DE L’ANTHROPOCÈNE À L’EDEN*

78 rue Amelot, 75003, Paris

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Avec, entre autres, des travaux de :
Stephan Barron, Isabelle Hayeur, Sonja Hinrichsen, Jacob Hurwitz Goodman & Daniel Kelle, Laura Kurgan & Mark Hansen (documentaire d’exposition), Almagul Menlibayeva et Yapci Ramos.

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Dès 18h, à l’occasion de ce VIDEO FOREVER, Paul Ardenne présentera et dédicacera son dernier ouvrage, Un Art écologique – Création plasticienne et anthropocène (postface de Bernard Stiegler ; Le Bord de l’eau, 2018).

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« Ce monde que nous n’avons pas encore perdu »

L’actuel enjeu écologique est majeur. À travers lui est engagée la survie de l’espèce humaine sur la Planète. À travers lui, sans ménagement, se pose la question du maintien ou non de cette même espèce humaine au sein de la « Terre Mère », si possible dans des conditions non-apocalyptiques. Lutter contre le désastre environnemental ? C’est entendu : il le faut, et maintenant. Que peut l’art, dans cette partie ? Rien, ou si peu. Entendons, rien ou très peu en termes d’efficacité concrète.

D’un côté du ring, l’art – une affaire de poésie, de ressenti esthétique, un répertoire de formes plastiques et d’élaborations sensibles. De l’autre côté de ce même ring, la réalité écologique à l’ère, dit le prix Nobel de Chimie Paul Jozef Crutzen, de l’« anthropocène » – à savoir l’émission ininterrompue des Gaz à Effet de Serre (GES), la pollution atmosphérique qui en découle, le pillage continué des ressources naturelles, la déforestation à grande échelle, la montée du niveau et l’acidification graduelle des océans, l’effondrement de la biodiversité, sur fond de réchauffement climatique. N’en jetez plus.

Contre cette déferlante de calamités prospérant de l’irresponsabilité humaine, l’art ne saurait être une panacée que dans la mesure où il vient décalquer cette décision ultime, désespérée et orgueilleuse, ne pas abdiquer. Toute situation fatale, tant qu’à faire, gagnera à être vécue dans le déploiement de cette fatalité et, au creux de celle-ci, dans la quête des interstices où trouver des parades, des occasions de se sauver, de l’amour, de l’espoir, de la beauté. L’anthropocène est là ? L’Eden aussi, dans sa configuration minimalisée mais préservée, sous condition d’aller le chercher. Après quoi un autre temps viendra, celui de faire prospérer les graines sauvées de l’Eden et de replanter le champ du monde.

Ce VIDEO FOREVER, propice à l’aveuglement volontaire et à la foi du charbonnier (mais tant pis : plutôt idéalistes que déjà morts, selon une formule de l’artiste anglais Gustav Metzger, récemment disparu), entend se présenter comme un conte d’hiver avec un « happy end ». L’effet de l’esprit de Noël ? Plutôt, le signe d’une farouche envie de vivre l’Eden malgré tout, encore et encore, n’en resterait-il que les scories, en s’extrayant de la cendre et pour frayer avec la lumière, même blafarde.

Sujets brûlants – Alexandre D’Huy à l’Hôtel Burrhus

décembre 13, 2018

« L’éthique n’empêche ni les industriels de produire des armes ni les états de les (laisser) vendre. L’argument économique semble le seul valable. Qu’en est-il de l’art ? Moi, je ne peux que continuer de peindre mes séries de blindés et de vues de drones commencées il y a quatre ans après une visite dans un salon de l’armement. Je reste fasciné par les machines qui servent à protéger et à tuer. Que je regrette et déplore que de telles choses existent ne change rien au fait que ces « hot topics », sujets brûlants, s’imposent à moi. Ils sont inévitables. J’ai besoin de les regarder et de les représenter pour exister. »

Alexandre D’Huy, 2018

Dans nos sociétés modernes, la guerre fait désormais partie intégrante de la communication médiatique. Les images censées la représenter – que ce soit sur Internet ou à la télévision – sont banalisées à l’extrême et la rendent de facto d’autant plus invisible. Et ce, même si les pays Occidentaux tels que le France sont, fin 2018, officiellement en guerre.

L’infotainment à l’œuvre aujourd’hui simplifie et permet à l’émotion de prendre le pas sur l’aspect conceptuel, en opposition avec l’information. La moindre chance d’esprit critique est alors atomisée. Car l’imagerie Occidental de la guerre stimule la fascination des foules pour la violence au lieu de complexifier une vision du monde trop souvent manichéenne (un président français n’est jamais aussi populaire que lorsqu’il enfile son costume de général de guerre).

Cette imagerie de guerre, dont la couverture média ne montre presque jamais de combats, de cadavres, mais des scènes abstraites rappelant des jeux vidéo, est adressée directement au public. Probablement car la communication est la méthode favorite des idéologies.

Et, bien que les effets de la guerre soient bels et bien terriblement réels, la guerre, elle, est bien le résultat d’idéologies. Car si elle existe encore dans notre monde prétendument civilisé, c’est qu’elle profite à certains. La liste est longue et variée : industriels de l’armement, de nombreux gouvernements (en grande partie de pays dits « développés), multinationales, groupuscules terroristes… La guerre et l’organisation qu’elle implique sont des facteurs intégrés dans le capitalisme mondial régi par une logique de marchandisation totale.

Une partie du monde s’entretue, l’autre est lobotomisée. Que faire face à ce constat affolant ?

Commençons déjà par ne pas voir le monde de la sorte, de manière binaire. Prenons notre temps. Ajoutons de la complexité au monde. C’est ce qu’Alexandre d’Huy tente de faire dans ses recherches picturales. Car si la profusion des images accélère exponentiellement et ne cessera de le faire, il nous faut, de notre côté, aller plus lentement. Sans pour autant se laisser ensevelir sous le fatras de discours et le nuage de la guerre, et tout en gardant intacte la fulgurance inoubliable des images. Loin d’un nihilisme ou d’une forme d’admiration béate devant cette imagerie, D’Huy sacralise les images.

L’artiste s’inscrit de fait dans la lignée du Romantisme allemand, car même si son oeuvre n’est pas réellement infusée par la nostalgie de la guérison du monde et n’émane pas du même contexte social et historique, elle tente de temporiser le « trop rationnel », de redonner le goût à l’imagination et reste finalement difficilement classable. Alexandre D’Huy nous montre la métamorphose du paysage. Avec lui, on ne peut que constater la transformation perpétuelle que l’Homme a de dépeindre son monde.

Nicolas Etchenagucia, 2018

 

Un beau DEBUT

décembre 5, 2018

Guillaume Varone expose actuellement dans DÉBUT au 2 rue de Hesse à Genève, aux côtés de Régis Figarol & Raymundo

Né à Lausanne, Varone est devenu photographe « professionnel » presque par accident. Néanmoins, appartenant à la section très restreinte des artistes sans égo et quoique étant photographe depuis toujours (comme Godard est cinéaste depuis ce temps) il possède un sens inné de l’image. Ce qui ne l’empêche en rien de travailler ses prises.

Sa modestie éclate par exemple lorsqu’il écrit à propose de son livre sur la Slovénie : « Klavdij Sluban m’a donné quelques clés pour progresser et sortir de la simple illustration : mettre de l’émotion et du mouvement dans les images, faire des photos habitées, avec de la tension et sans être descriptif. Son workshop m’a ouvert les yeux et c’est ce que je cherche désormais à mettre dans mes photos ». De fait il avait déjà en lui tout ce qu’ll fallait afin de photographier ce pays comme – dans d’autres séries – l’intimité des femmes.

Dans les deux cas le photographe saisit l’intensité et l’émotion : le visage devient paysage, le paysage un visage. Un « corps » quelqu’en soit la nature parle d’un même langage. Varone cherche une vérité d’appartenance et d’incorporation. Exit le voyeurisme. L’artiste ne perce l’intime qu’avec bienveillance et partage. C’est une affaire de « donnant-donnant » bref de confiance et d’attention. D’où la singularité d’une oeuvre qui sans le moindre effet laisse apparaître des sentiments cachés autant chez le photographe que chez le sujet de ses prisess. Rares sont donc les oeuvres aussi justes et tout simplement belles et qui laissent au regardeur sa faculté d’interpétation.

Jean-Paul Gavard Perret


Guillaume Varone, Début & Regard sur la Slovénie avec Klavdij Sluban

Présence abso­lue de la femme

“Pour­quoi la photo ? J’en ai tou­jours fait, comme tout le monde. Jusqu’à il y a un peu plus d’un an, je fai­sais des pho­tos que je qua­li­fie­rais de « sou­ve­nir de voyage » dans les­quelles je recher­chais une cer­taine har­mo­nie pour faire une belle image”. Bref, Guillaume Varone pen­sait être un pho­to­graphe lambda. Néan­moins, il cap­tait des por­traits qui n’avaient rien d’anecdotiques même lorsqu’ils étaient de famille. Grâce à Klav­dij Slu­ban côté tech­nique et Bar­bara Polla côté dyna­mique, le Lau­san­noios prend enfin confiance en lui.
L’artiste pos­sède le sens inné du cadre et de la prise. Il com­prend tout de suite (et  ses por­traits de femmes le prouvent) une idée ins­tinc­tive de la lumière, de l’espace.  Ses images ont l’air de mon­ter (comme la musique pour d’autres) de  l’intérieur.

Mais il y a plus. A savoir, ce qui fait de lui un “vrai” pho­to­graphe. A tra­vers ses prises, des ques­tions sur­gissent. Elle répondent aussi à ce que, au fond de nous, nous avons besoin de savoir. De voyeu­risme il n’est jamais ques­tion. Guillaume Varone nous dit qu’un corps existe et que les choses sont pré­sentes. À nous de regar­der cal­me­ment ce qui a lieu.
Une femme est pho­to­gra­phiée. Nous ne connais­sons pas son pré­nom, ni son nom, ni ses ori­gines, ni sa vie actuelle. Nous savons une chose : le visage à tra­vers lequel appa­raît une intimité.

Tout de suite, nous sommes tou­chés par la pudeur et la pro­fon­deur qui se dégage de ses por­traits. De face, de pro­fil, de trois-quarts, de dos, une femme a quelque chose à nous dire. Est-ce une lumière tra­vaillée, retra­vaillée par le pho­to­graphe ? Un tra­vail sur les ombres ? Sans doute. Les ombres mettent en relief l’expression. Les yeux sont grands.
Les traits du visage buri­nés ou par­faits donnent l’impression d’une gra­vité. Comme si l’existence était un acte grave, une tra­jec­toire gui­dée par la conscience. Les visages sont tra­ver­sés par le silence. Tou­te­fois, l’artiste ne cherche pas une “pic­tu­ra­lité mais une vérité d’appartenance par l’incorporation.

Notre oeil s’approche, nous « entrons » dans les images. Guillaume Varone nous pro­pose une nar­ra­tion et une énigme. L’histoire d’une femme et sa che­ve­lure. Dans une autre prise se dégage un pro­fil. Le modèle se coiffe. Une autre est de trois-quarts. C’est le por­trait d’une femme à la per­ruque. Deux femmes se jouxtent sou­dain pour un même visage. Ou l’inverse.
His­toire de mettre à nu une grâce, une ori­gine par la che­ve­lure et ce qu’elle sous-entend dans la culture et même dans la sexua­lité. Chaque visage lie aussi l’hier et l’aujourd’hui vers une autre his­toire par cette prise de l’intimité “par les che­veux”. Il existe là une pré­sence abso­lue de la femme. Au regar­deur de l’interpréter.

Lire l’ entre­tien avec le photographe

Jean-Paul Gavard-Perret

La prison exposée à Penthes- prolongée jusqu’au printemps 2019

décembre 4, 2018

Que ce soit par le regard extérieur d’artistes ou par celui des personnes incarcérées, l’exposition La prison exposée, Champ-Dollon à Penthes tente de nous interroger sur la condition humaine et de mettre en lumière l’humanité qui réside en chacun. L’exposition est prolongée jusqu’au printemps 2019 et accueille un nouvel artiste : Jhafis Quintero avec sa série vidéo Ten years In Jail.


Les territoires repliés (suite) : les vidéos d’Ali Kazma et de Joana Hadjithomas & Khalil Joreige.

Les vidéastes proposent leur regard sur l’enfermement dans le champ de l’exposition organisée par Barbara Polla : « LA PRISON EXPOSEE, Champ-Dollon à Penthes » ( Château de Penthes, Genève, du 25 avril 2018 au 30 octobre 2018.) Les créateurs ont posé ou introduit leurs caméras là où il n’existe ni vent ni voile. Les corps sont forcément happés par un certain viatique du néant. Les vidéos renvoient de la concentration carcérale vers une autre concentration. Celle du regardeur qui est soudain « sorti » du flux habituel des images courantes.

Ces vidéos soulignent l’universalité de beaucoup d’aspects de la prison, de son espace-temps spécifique (Ali Kazma) ou de la création de système d’existence envers et contre tout (Joana Hadjithomas & Khalil Joreige). Les deux films de ces derniers – « Khiam » (prison naguère située dans la zone du Liban occupée par Israël et par sa milice supplétive) – montrent 6 anciens détenus, assis sur une chaise et qui parlent en fixant la caméra. Existe une forme d’expérimentation sur le récit (en particulier dans le premier film) : l’image se reconstitue par lui. Comme se reconstruisent – dans le second et par les mêmes ex-détenus retrouvés quelques années plus tard – la prison désormais détruite, une mémoire et un imaginaire.

La vidéo « Prison » (filmée en Turquie) d’Ali Kazma est un travail de résistance compris par l’artiste comme celui du corps en tant que dernier « lieu » de préservation de l’individualité, de la lutte contre le pouvoir et l’uniformisation. Ali Kazma filme non des prisonniers, mais l’architecture carcérale afin de montrer la contrainte que la prison impose au corps afin de limiter ses mouvements selon une manipulation calculée. « La discipline fabrique ainsi des corps soumis et exercés, des corps dociles » écrit Barbara Polla. La violence subie est donc montrée par deux biais différents. Les vidéos s’appuient sur la vue de ce qui a été vécu et qui demandent aux détenus une lutte perpétuelle pour la survie.

Jean-Paul Gavard-Perret

VIDEO SOUND ART FESTIVAL / ALI KAZMA

décembre 1, 2018

Exhibition: 30 November – 2 December, 10:00 am-10:00 pm
Special night opening on Saturday December 1

The festival for its eighth edition reopens the doors of Albergo Diurno Venezia, a bath house designed for travelers built in the twenties by the architect Portaluppi, located under Piazza Oberdan, in the heart of the city.

Protagonist of the eighth edition is the video artist Ali Kazma (Istanbul, 1971) with over 20 videos including a work shown for the first time. The artist, represented in Milan by gallery Francesca Minini, since 2002 has been focused in building a video archive dedicated to human condition. In 2017 the exhibition centre Jeu de Paume in Paris has dedicated to Kazma a solo show.

MINE is the title of the eighth edition, curated by Laura Lamonea, an explicit reference to the film by Kazma with the same name. Mine is also the continuation of the investigation of the subterranean by artists who dig into the real, exploring human activities in relation to spatiotemporal intervals and voids.

In dialogue with the videos, the new new sculptural works in ceramic and porcelain by the artists Diego Cibelli, winner of the open call, Oli Bonzanigo and Caterina Morigi, produced during the artistic residency in collaboration with Istituto a indirizzo raro della ceramica e della porcellana Giovanni Caselli, headquarters of the prima Real Fabbrica della Porcellana and the Museum of Capodimonte.

Every 60 minutes there will be a guided tour, available on reservation in Italian and English. Moreover, during the festival, it will be possible to take part in a workshop held by by the masters of ceramics of the Real Fabbrica di Capodimonte, and experiment with their support firing, patinas and decorations. The workshop will be held at the Libreria Popolare, in via Tadino 18 three minutes by walk from the Albergo Diurno.

The festival is realized thanks to the support of Comune di Milano, Regione Lombardia and FAI – Fondo Ambiente Italiano.

1 December | from 10 AM – all night special opening: Book the visit

2 December | 10AM-10PM: Book the visit

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